Las mujeres del Land Art americano

Sep 06, 2023

DeD MagazineOctubre2023

Debajo del jardín del Centro de Escultura Nasher corre un arroyo. En un año seco como este, es poco más que un chorrito, si es que el agua fluye. Pero cuando llueve, la corriente subterránea se puede rastrear desde el cementerio Freedman's Memorial en Uptown hasta el río Trinity.

La curadora Leigh Arnold recuerda haber oído hablar de esta transmisión cuando comenzó a trabajar en Nasher hace 10 años. Le dijeron que el Servicio Secreto vino a hacer un barrido de las instalaciones antes de que la ex primera dama Laura Bush visitara el museo. Se tuvo que sellar permanentemente una tapa de alcantarilla porque era posible que alguien pudiera encontrar el desagüe y seguirlo bajo tierra, debajo del Design District, a través de Little Mexico y hasta el jardín.

Arnold pensó que la historia podría ser apócrifa. Aún así, se encontró compartiéndola con la artista Mary Miss durante una visita al estudio, en preparación para “Groundswell: Women of Land Art”, la exposición principal que se inauguró el 23 de septiembre en Nasher y permanecerá abierta hasta el 7 de enero. nada menos que un intento de redefinir y reconstruir la historia del land art centrándose en 12 de las mujeres artistas que contribuyeron a este campo, la mayoría de las cuales quedan fuera del canon.

La señorita es una de ellas. La artista de 79 años ha pasado gran parte de su carrera de casi seis décadas explorando la conjunción del entorno construido y el terreno natural. En los últimos años, se ha interesado en exponer las infraestructuras visibles e invisibles que organizan nuestras vidas. Más concretamente, ha dedicado tiempo a recuperar vías fluviales enterradas. Nasher planeó encargarle a Miss que hiciera una pieza para la muestra, la única obra nueva en una exposición principalmente histórica. Y lo que alguna vez fue solo una pieza de la historia del museo se ha convertido en una obra de arte específica del sitio, Stream Trace: Dallas Branch Crossing.

En el jardín, Miss ha creado una serie de esculturas de acero inoxidable pulido para marcar dónde discurre el arroyo bajo tierra. A lo largo de la exposición, los artistas locales realizarán caminatas que llevarán a los visitantes del museo a lo largo del sendero del arroyo. Para Miss, esos paseos son una parte tan importante del arte como las brillantes X que ha creado para el jardín.

“Los artistas pueden desempeñar un papel esencial a la hora de ayudarnos a comprender nuestra relación con el medio ambiente y los ecosistemas que sustentan nuestras vidas”, dijo Miss en una conversación pública con Arnold esta primavera. "Caminar ha sido una de las cosas más importantes para mí como medio para involucrar a las personas en un lugar o espacio o lo que sea que estoy tratando de llamar su atención".

Si la idea de visitar una exposición y salir del museo te parece un poco descabellada, bienvenido al mundo del land art.

Los artistas de las décadas de 1960 y 1970 dejaron atrás los estudios y trabajaron en la naturaleza. Cambiaron sus lienzos por lagos y montañas. Algunas obras fueron pasivas y efímeras; algunos fueron rimbombantes y permanentes. El artista Walter De Maria dijo la famosa frase: "Mi nuevo pincel es Caterpillar".

El land art (o arte de la tierra, como también se le conoce) a veces se describe como un movimiento anti-galería, aunque la amplia gama de arte que se engloba bajo esa bandera puede ser difícil de integrar en una postura política determinada. Para algunos artistas, los espacios seguros de las galerías de paredes blancas parecían desconectados de los tiempos tumultuosos (por ejemplo, la guerra de Vietnam, el movimiento por los derechos civiles, la segunda ola del feminismo, la carrera espacial) en los que vivían. Puede tomar la forma de ecoarte, llamando la atención sobre cuestiones ambientales. O puede interactuar con usos o malos usos históricos o prehistóricos de la tierra. A veces no es nada político. Para todos los artistas que caen dentro de esta designación, la tierra, en particular las amplias franjas del desierto y las praderas de América del Norte, se convirtió en un objeto, una herramienta, una musa.

Pero la comprensión canónica del land art sigue siendo bastante limitada. Las obras más famosas pertenecen a sólo tres artistas: De Maria, Michael Heizer y Robert Smithson. En ocasiones se les conoce como la “trinidad” del land art, tal vez no sólo por su número sino porque en sus obras a menudo jugaban a ser Dios, entrometiéndose con la naturaleza.

En algunos casos, se agregaron materiales a una ubicación remota para manipular o alterar el paisaje, como el Muelle Espiral de Smithson, para el cual añadió 6.000 toneladas de rocas de basalto negro al Gran Lago Salado en Utah, creando una curva sinuosa de 1.500 pies de largo. bobina. Otras veces se eliminaron elementos, como el Doble Negativo de Heizer, para el cual extirpó tierra de una mesa de Nevada para crear una inmensa trinchera.

En una de las obras más famosas de De María, The Lightning Field, colocó 400 postes de acero inoxidable pulido de 20 pies de alto en el alto desierto de Nuevo México que ocasionalmente entran en conversación con el cielo electrificado. Estas obras fueron empresas masivas que permitieron a estos artistas llevar su arrogancia a la tierra. Hace cuarenta años, la crítica de arte Lucy Lippard escribió sobre un artista que le dijo, medio en broma: “La naturaleza es mi esclava”.

Pero ya basta de hombres.

Arnold propuso la idea de una exposición de land art exclusivamente femenina en 2016. Había llegado a Dallas desde Nebraska una década antes para trabajar como asistente ejecutiva en Heritage Auctions. En el camino, realizó una pasantía en la Fundación Chinati en Marfa, trabajó como becaria en el Museo de Arte de Dallas, adoptó tres pugs, formó una familia (su hija cumple 3 años este mes) y fue nombrada curadora del Nasher en 2014. Ha trabajado en exposiciones de David Bates, Mark Grotjahn y Melvin Edwards y supervisó el proyecto Chalet Dallas de Piero Golia, que transformó una de las galerías Nasher en un salón y espacio para eventos elegante y vanguardista. Pero su principal área de estudio sigue siendo el land art.

Hace siete años, defendía su tesis doctoral en la UTD, que había escrito sobre Smithson. Antes de eso, había comisariado una pequeña exposición en el DMA, “Robert Smithson in Texas”, en 2014. Durante ese proceso, conoció a Nancy Holt, la esposa de Smithson y una artista importante por derecho propio. Durante todo el tiempo que pasó estudiando arte contemporáneo y movimientos de tierra en particular, Arnold recuerda que le sorprendió lo poco que sabía sobre la carrera de Holt.

Aunque Holt estuvo a la sombra de su marido mientras él estaba vivo, hizo importantes contribuciones al campo. Es más conocida por Sun Tunnels, una instalación de land art en el desierto de la Gran Cuenca de Utah. Trabajó con ingenieros, astrólogos, contratistas y operadores de grúas para crear cuatro estructuras cilíndricas de hormigón de 22 toneladas que contenían el contorno de las constelaciones y estaban alineadas con el patrón del sol durante los solsticios. Son lo suficientemente grandes como para que los visitantes puedan caminar a través de ellos sin agacharse, y se convierten en dispositivos visuales para que la gente pueda ver una vista enmarcada del vasto desierto. Pero esto fue sólo el comienzo para Arnold, quien se enamoró de todo el trabajo de Holt.

"Realmente no me enseñaron su trabajo en la escuela", dice Arnold. “Simplemente haces la pregunta: '¿Por qué es eso?' Y odias atribuirlo al género, pero me hizo preguntarme: si está Nancy, ¿quién más está ahí?

Cuando Arnold hace una pregunta, su boca se curva en una sonrisa astuta e intrigante. Le gusta hacer preguntas, porque le gusta mucho encontrar las respuestas. La curadora de 41 años tiene el pelo largo, rubio sucio y viste a medio camino entre una académica de la costa este y una madre cool milenial. Su estética parece unir a Eileen Fisher y Faherty en un solo armario. Siempre parece cómoda, tranquila, serena, hablando lenta y metódicamente, hasta que la conversación tropieza con algo sorprendente que descubrió en su investigación, algo que no puede esperar a compartir con una audiencia. Ella describe ese proceso como si le diera un “cargo”.

"Solo soy un nerd que quiere saber cosas", dice Arnold. "Y compartir egoístamente esa información, presentarle a la gente la historia que tal vez no conocen, es simplemente un sentimiento maravilloso".

El Dallas Observer la apodó una vez la “Indiana Jones del arte de Dallas”, porque ha pasado gran parte de su carrera excavando y preservando historias. Antes de unirse al Nasher, fue co-curadora de una exposición en el DMA, “DallasSITES: Charting Contemporary Art, 1963 to Present”, para la cual creó un archivo de historias orales de los artistas, curadores y académicos de la ciudad. Es quizás la documentación más completa e incisiva del papel que ha desempeñado el arte en Dallas hasta la fecha, agregando capítulos y personajes completos al registro público que antes se habían pasado por alto.

"Creo que cuando cuentas esas historias que no se cuentan tan a menudo, estás accediendo a un conjunto de conocimientos que tiene su propia red", dice Arnold. "Y supongo que me gustan los desvalidos".

Una de sus inspiraciones para “Groundswell” fue investigar la forma en que las mujeres artistas que trabajaban junto a los hombres como pares, e incluso amigos, fueron completamente borradas de la historia de esa época. Arnold señala las dos innovadoras exposiciones exclusivamente masculinas de finales de la década de 1960, “Earthworks” en la Dwan Gallery de Nueva York y “Earth Art” en la Universidad de Cornell.

Sólo en los últimos años los museos han dedicado algunas exposiciones a importantes artistas femeninas de ese período, incluidas Agnes Denes y Judy Chicago. En 2018, la crítica Megan O'Grady, escribiendo para el New York Times, intentó explicar por qué pudo haber tomado tanto tiempo darles a estos artistas su día al sol: “Hoy en día, el land art aparece como una destilación casi perfecta del "La historia del privilegio masculino en el mundo del arte, con su convicción de que el hombre tiene derecho a un espacio para vagar y dejar su huella".

“Groundswell” será la primera encuesta real sobre mujeres artistas de la época. Si hay un rasgo que comparten las mujeres en esta exposición es la reverencia por la tierra, el interés en cuidar el planeta de la misma manera que los museos preservan una obra de arte poco común. Una de ellas, Lita Albuquerque, describe la tierra como una superficie de dibujo para que los artistas creen y la tierra como el arte mismo. En ese caso, el papel del artista de la tierra a veces puede ser simplemente crear un marco para reconsiderar el mundo en el que vivimos.

“Recientemente pensé: Vaya, si la Tierra es una escultura en el espacio, entonces el cosmos es una instalación en la que participamos todos los días”, dice Albuquerque.

Al montar esta exposición, Arnold enfrentó varias preguntas importantes. La primera fue sobre qué línea de tiempo planeaba usar. Podría decirse que los movimientos de tierras son una de las formas más antiguas de creación (ver: Stonehenge, las Líneas de Nazca, las pirámides), pero se suele entender que el movimiento oficial del land art dura poco más de una década y finaliza en 1974, cuando se institucionaliza. Fue entonces cuando organizaciones nacionales como la Dia Art Foundation o proyectos urbanos como Artpark Buffalo comenzaron a crear oportunidades de financiación y exhibición para obras a gran escala, muchas de ellas con estructuras de convocatoria abierta más equitativas.

Por alguna definición, trabajar dentro de establecimientos cívicos o del mundo del arte (solicitar subvenciones o exhibir en parques de esculturas) iba en contra de la naturaleza misma del esfuerzo. Pero para Arnold, limitarlo a los años rebeldes y rebeldes sólo ayuda a borrar a las mujeres que trabajaban en ese momento, muchas de las cuales terminan incluidas en la categoría de arte público. Con eso en mente, “Groundswell” amplía la línea temporal hasta 1990.

Otra gran pregunta fue una con la que muchos museos y galerías han luchado a lo largo de las décadas: ¿cómo se colocan movimientos de tierra en un museo? Hay cuatro enfoques tradicionales: documentos, no sitios, instalación y trabajos en sitios específicos. Esta exposición los empleará a todos.

La más sencilla es la documentación, ya sean bocetos o dimensiones de planificación enmarcados, o fotografías y vídeos del proyecto final. Algunas obras de la exposición necesariamente se mostrarán de esta manera, como Árbol de la Vida (1976), obra en la que la artista cubanoamericana Ana Mendieta se encuentra al pie de un árbol, enlucida de barro. Mendieta es una de las artistas de la muestra cuyo trabajo establece un vínculo directo entre el cuerpo femenino y el paisaje. Le preocupaba la violencia ejercida sobre la “madre tierra”.

Arnold estaba interesado en encontrar varias perspectivas para esta exposición y enfoques de la creación artística. Trabajó con múltiples fundaciones y curadores para localizar los archivos de Beverly Buchanan, una artista afroamericana que exploró los vínculos entre la memoria y la geografía. “Groundswell” presentará sus cuadernos de bocetos, esculturas y pinturas, incluido uno que no se muestra en un museo desde los años 70.

Otros movimientos de tierra en la muestra caen en la categoría que Smithson acuñó como “no sitios”, en la que elementos naturales se incorporan a las exhibiciones de la galería, como una forma de significar, pero no necesariamente replicar, un lugar en la naturaleza. Una de las artistas de “Groundswell”, Michelle Stuart, es conocida por crear cajas de tierra, pergaminos y pinturas en las que incorpora aspectos de la naturaleza, enmarcando o incluso triturando materiales naturales para convertirlos en nuevas formas de arte. Lippard describió una vez su proceso como "reducir montañas a granos de arena".

Para Stuart y muchas otras mujeres en esta exposición, crear arte en la tierra tenía menos que ver con la permanencia o la propiedad. “La mayoría de mis obras eran del momento. No hice cosas que quisiera que duraran para siempre”, dijo Stuart a ArtNet en 2022. “Para mí, estas fueron obras transitorias, para aquellos que querían ir y participar en ellas”.

La calidad efímera de gran parte del trabajo de ese período hizo que el trabajo de Arnold fuera aún más difícil. Una de las principales instalaciones de la exposición es una recreación de la escultura de Holt de 1986, Pipeline, una obra a gran escala que se originará fuera del Nasher, serpenteará por la galería y terminará en el jardín, donde goteará una sustancia destinada a parecerse al petróleo. Se inspiró en la época de Holt en el paisaje de Alaska. Pero Holt, que murió en 2014, dejó solo algunos parámetros fijos: sería un tubo de acero de 12 pulgadas; debía ser ensamblado por comerciantes; tendría un camino afuera-adentro-afuera. Arnold ha estado trabajando con un equipo de conservadores de arte y una empresa de conductos para recrear esta escultura.

"Esta es una nueva versión de una escultura que creo que es muy importante", dice Arnold. "Y ahora que hemos descubierto cómo adaptar algo que no se ha hecho desde que vivía el artista, esperamos que la escultura pueda tener otra vida en otras instituciones en el futuro".

Otra instalación será Blanket of Branches de Maren Hassinger, que fue creada originalmente en 1986 para el Foro de Arte Contemporáneo de Santa Bárbara. Hassinger armó un dosel envolvente con ramas de árboles recolectadas e invitó a sus amigos artistas, incluida la ganadora del Premio Nasher 2023, Senga Nengudi, a actuar debajo de ellas. De esa manera, las ramas muertas cobraban nueva vida. Los visitantes de "Groundswell" caminarán debajo de una nueva versión para ingresar al museo.

Pero para comprender realmente la forma en que el arte puede interactuar con la naturaleza, los visitantes de “Groundswell” tendrán que abandonar el museo una vez más. Arnold ha incluido Fair Park Lagoon como una de las obras de la exposición, que ella cree que es una de las piezas de land art más importantes realizadas por una mujer. La escultura de Patricia Johanson, que se completó en 1986, consta de estructuras de color terracota que serpentean alrededor y a través de la fuente de agua de cinco bloques que se encuentra detrás de lo que alguna vez fue Science Place. El diseño se basó en dos plantas acuáticas nativas de Texas: Sagittaria platphylla, o patata delta, y Pteris multifida, un helecho.

Aunque no es una pieza completamente realizada debido a cambios de gestión a mitad del proyecto, el resultado final cumplió con el objetivo del encargo, que era evitar la erosión de las orillas de la laguna. Este encargo también le permitió a Johanson sacar su práctica de dibujo y escultura de la página y llevarla al mundo. Específicamente, su serie “House & Garden” de 1969, en la que imaginó la creación de jardines acuáticos a partir de entornos en peligro de extinción.

"Es un ejemplo increíble de land art en Texas", dice Arnold. “Y también es esta loca y exitosa obra de arte público. Es completamente accesible y las personas y las familias tienen todos estos recuerdos que le atribuyen”.

El hecho de que muchas de las personas que han interactuado con él no lo traten con la reverencia con la que tratarían una pintura de Jackson Pollock, una escultura de Mark di Suvero o incluso el Muelle Espiral de Smithson lo hace aún más interesante en la mente de Arnold. Mientras sus homólogos masculinos usaban dinamita y excavadoras para excavar montañas, Johanson investigaba qué plantas podrían restaurar el ecosistema biológico de una laguna en Dallas.

La historia del land art, al menos la que Arnold intenta contar, no es la de artistas que intentan controlar la naturaleza, sino la de artistas en conversación con la tierra, con los ecosistemas, con la historia y entre ellos. Como el primer estudio importante de un museo sobre las mujeres en el land art, “Groundswell” no está reescribiendo la historia sino que la reclama llenando las páginas en blanco.

"Estoy realmente interesado en desmantelar esa narrativa del land art como salir del estudio y adentrarse en territorio virgen", dice Arnold. “No existe un paisaje vacío. No hay desiertos vacíos. Hay un arroyo debajo del Nasher”.

Para encontrar el camino del agua, Miss buscó cualquier rastro en mapas antiguos y la forma de la tierra misma. Bajó a los aparcamientos, escuchó y recorrió varios senderos desde Nasher hasta el río Trinity una y otra vez, mirando de cerca el suelo.

Finalmente, un día después de una fuerte lluvia, dice, un hombre se detuvo en un camión encima del dique con la información que necesitaba: el nombre de alguien que podría compartir con ella la superposición de la sucursal de Dallas. Para Miss, rastrear el arroyo era a la vez una forma de creación artística y una colaboración con la ciudad y el museo. Y con la tierra misma.

Esta historia apareció originalmente en la edición de octubre de la revista D con el título "Mujeres de la Tierra". Escribe a [correo electrónico protegido].